Dette innlegget er arkivert under:
Hjemmeside høydepunkter,
Intervjuer og kolonner
KC
av KC Carlson
Vi har snakket mye i det siste om komisk historiefortelling, spesielt av den såkalte dekomprimerte formen for tiden på moten i Comicdom. (Forhåpentligvis så du Rogers eksepsjonelle sammenligning mellom dekomprimert og standard historiefortelling forrige uke. Hvis ikke, gå hit nå.) Jeg diskuterte hvordan det forholder seg til dekkpris, format og tegneserier som publiserer historie sist i spalten min. Denne gangen vil jeg kaste ut noen få flere ideer og konsepter for å fullføre emnet slik at jeg kan gå videre til andre ideer. (Som leserne kan finne mye mer underholdende enn fortsatt revolusjon rundt et enkelt tema, selv om det er en av de definerende attributtene til tegneserier i vår tid.)
Redaksjonell råd
Da jeg startet historieredigering på DC på begynnelsen av 90-tallet, var en av de første avgjørende stykker anbefalinger jeg fikk å være på vakt mot forfattere som ønsker å slå flerdelte historier. Denne varslingen ble nesten alltid fulgt av fargerike anekdoter om noen av de største forfatterne i tegneseriehistorien som forsøkte å tømme sine 12 sider med plott i to eller tre-utgaver. At jeg hørte disse anbefalingene fra slike fantastiske redaktører som Dick Giordano, Archie Goodwin, Denny O’Neil, Mike Carlin, Paul Levitz og Andy Helfer bare rammet hjem hvor avgjørende det var. Samtidig forsterket det hvor utbredt en forfatters teknikk det var. Mange av dem innrømmet at de fra tid til annen hadde blitt tatt inn av praksisen (og et par innrømmet også at de tidvis hadde kommet unna med det som forfattere selv), noe som bare understreket hvor avgjørende det var for redaktører å være årvåken. Jeg forsto også at dette kom til å bli et av de viktigste aspektene i hvordan jeg ble dømt som redaktør.
(Som en side, hvor kult var det å ha det nivået av redaksjonell skjønn og erfaring tilgjengelig, ofte i en uplanlagt samtale i gangen, eller i en og annen redaksjonell undervisningskonferanse? Det var virkelig et flott tidspunkt å være på DC.)
Superman død
Og ja, jeg ble tatt inn en tid eller to, men etter hvert lærte jeg å stille spørsmål og utfordre forfatterne jeg jobbet med. Jeg lærte også, mye viktig, når det var riktig å gjøre en lang, flerdelt historie. Men det var også en forvirrende tid. DC prøvde i en publiserende forstand alltid å finne nye miniserier, som automatisk indikerte minst en fire-utgave-historie. Og jeg startet tilfeldigvis historiens redigering av delen av yrket mitt akkurat som Superman -døden (og dens etterspill) og Knightfall rullet ut av kontorene like ved gangen fra meg. Hendelseshistorien ble født på DC.
Heldigvis, med det kreative og redaksjonelle talentet bak mange av de tidlige hendelsene, var det normalt nok historie og plot-shocks til å rettferdiggjøre den ekstreme lengden på mange av serien. Og ingen kan benekte at de var salg, eller i døden av Supermans sak, medier, suksesser.
Detektiv tegneserier #704
Tegneseriebegivenheten ble så utbredt, spesielt i flaggermusbøkene som Knightfall Betet Knightsend som begår fortapte og så videre, at noen ganger utgaver av flaggermus-titler ville ha et “del 1 av 1” -ikonet på deres sjeldne ferdige-i- Én historier mellom hendelser. Jeg savner de dagene.
(Min kone Johanna har en annen erindring fra tidens fanside. Hun husker internett- og fanzine-diskusjoner om perioden om å ville ha mye mer “gjort i en” historier, noe som kan ha vært det bat-titlene refererte til. Der var mye skravling da om hvor avgjørende det var å ha frittstående historier og hvordan de var nødvendig spesielt for nye lesere … men hvis hun husker riktig, sa redaktører som prøvde å promotere den ideen senere at “gjort i en” ikke gjorde det Selg spesielt godt. Et annet eksempel på salgsmønstre som ikke samsvarer med hva analytikere tror kundene vil ha.)
Jeg har en ide om en idé …
En annen ting Paul Levitz fortalte meg – og jeg parafraserer her – alle har ideer. Det redaktørene må prøve å finne er de eksepsjonelle ideene, de du og dine skapere kan ikke vente med å komme på trykk og dele med verden.
Senere vurderte jeg det Paul hadde sagt med tanke på tegneseriehistorie. Du kjenner de tegneseriehistoriene du fremdeles husker år – og til og med tiår – senere? Det var de virkelig gode ideene. Alle de tegneseriene du glemte? Det var ideer også – bare ikke veldig gode. Eller minneverdige. (Derimot husker du sannsynligvis også de virkelig, virkelig dårlige ideene også. Som da Legion -jentene drepte barna under sinnskontroll og deretter danset. Poenget mitt her er at de som holder deg med deg er eksepsjonelle på noen måte. )
NYE TEEN TITANS #8
Gode forfattere må instinktivt vite hva de eksepsjonelle ideene er. Og mange av dem må vite at de ofte er få og langt imellom. Hver forfatter begynner med ingenting – stirrer ned på et tomt papir eller en sterk, tom dataskjerm – venter på inspirasjonation. Noen ganger er det ingen. Men det er fremdeles frister å møtes. Når du finner den gode ideen, hvorfor ikke prøve å spille den ut for alt det er verdt? Det er bedre enn å stirre inn i tomrommet om og om igjen. Hvorfor ikke kaste inn en ekstra kampscene eller tre for å utvide moroa? Eller hvorfor ikke ta et problem eller to for å utforske den mørke fortiden til en av karakterene dine, selv om det ikke er direkte relevant for din nåværende historie? Eller hva med den historien der superkarakteren din har fridagen, som popularisert i de nye tenåringstitanene av Wolfman og Pérez?
Det siste eksemplet ble så utbredt på begynnelsen av 90 -tallet, det dannet grunnlaget for et av mine favorittvarige DC -minner. På et redaksjonelt møte ble utøvende redaktør Mike Carlin så frustrert over den nåværende mangelen på handling i visse DC -titler at han brølte i ren lidelse, “De kan ikke alle være‘ en dag i livet ’historier! Noen må slå noen andre en gang i blant! ”
Faktisk.
Andre aktuelle faktorer
Dagens tegneserieforfattere har også andre eksterne aspekter som presser dem. Det er ideelt å ha et godt arbeidsforhold med resten av samarbeidspartnerne på det kreative teamet ditt, og hjertet av ethvert godt samarbeid er forbindelsen mellom forfatter og artist (nærmere bestemt Penciller). Dette gjelder spesielt når de to skaperne jobber sammen på en rekke problemer eller historier. Det er ikke en strekning å av og til referere til disse kunstneriske sammenkoblingene som et kreativt “ekteskap”, ettersom partnerskapene har mange ting til felles med den standard romantiske koblingen: mye gi og ta ideer, arbeidsmetoder, konstruktiv kritikk, hvordan Best å håndtere meningsforskjeller og argumenter, og til og med finne ut hvordan de best skal samarbeide samarbeide samtidig som de gir hverandre plass til å fungere og skape som individ. Ideelt sett kan en kreativ rytme og avhenge av utarbeides mellom samarbeidspartnerne, slik at kunstnerisk “magi” kan lages.
Denne typen kjemi er så relativt sjelden, det er grunnen til at mange artister og forfattere vil gå ut av deres måte å holde en god kreativ sammenkobling i live. Du kjenner mange av de flotte. Noen av mine nylige favoritter inkluderer Loeb og Sale, Bendis og Immonen, Waid og ‘Ringo og Dezago og’ Ringo (Mike er så savnet …), Busiek og Pacheco, Abnett og Lanning, og i tidligere år, Wolfman og Pérez, Claremont og Byrne, og selvfølgelig Lee og Ditko og Lee og Kirby.
Jeg leste nylig et innlegg der en forfatter snakket om de kunstneriske kravene fra hans samarbeidspartner. Kjernen i det var at kunstneren flatt uttalte at han ikke ville tegne noen side med mye mer enn fire eller fem paneler på den. Denne uttalelsen kan tolkes på flere måter. Det kan være et resultat av at kunstneren prøver å sikre seg fra “grønne” forfattere som prøver å stappe for mye historie eller dialog til en enkelt side. (En veldig vanlig nybegynnerfeil, og det er absolutt mange begynnende forfattere der ute i disse dager, nei?)
Superman #152. Roboter er alltid like handling.
Det kan også være at kunstneren bevisst prøver å kutte ned på antallet “usellige” sider i det originale kunstmarkedet. De tingene som selger best (og for de fleste penger) som original kunst (i ingen spesiell rekkefølge) er omslag, full- eller to-siders oppslag med enten spektakulær handling eller ekstraordinære detaljer, og sider med karakterene- i kostyme- i “ ikoniske ”øyeblikk. Ting som normalt ikke selger: sider med mange paneler med karakterer (vanligvis i gateklær) som står rundt og snakker. Så den firesiders sekvensen som er satt i Daily Planet-med mindre Lois ser veldig varm ut, eller Perry White slår Jimmy Olsen i ansiktet (gjentatte ganger) for å få feilen sin feil-definerer disse sidene “uselsket” og sannsynligvis ikke vil hente mye som original kunst.
Med tanke på at det ser ut til at kunstnere som er bekymret for å selge kunstverkene sine etter det, normalt ville være mot dekomprimert historiefortelling … med mindre selvfølgelig historien ba om sider og sider med kampscener … med mange fulle sider og dobbeltsider oppslag Det gir ikke mye til den pågående historien, men ser sikkert kult ut (og vil gi en liten formue i kunstmarkedet). Hvilken slags definerer hvilken dekomprimert historiefortelling handler om, ikke sant?
På tide å dekomprimere
Dekomprimert historiefortelling fra forbløffende X-Men #14
Selv om dekompresjon ofte holdes mot forfatterne av tegneserier, er teknisk sett dekompresjon et visuelt historiefortelling, ofte tatt en beslutning fra kunstneren. Den beste måten å beskrive en sekvens av dekomprimerte kunstverk er en side (eller to, eller lenger) av en enkelt scene der bakgrunnen og andre statiske elementer forblir nøyaktig de samme over et antall paneler, mens bare visse elementer (hovedpersonen I scenen, eller noen action, normalt i sakte bevegelse) er alt det “beveger seg”.
Den skitne lille hemmeligheten bak produksjonen av slike scener er at kunstneren bare må trekke bakgrunnen og de statiske elementene en gang. Da kan de reproduseres mekanisk om og om igjen. Hvis ryggenGround kan være godt etablert over en rekke sider, dette kutter virkelig mengden faktisk tegningstid for en kunstner, selv om han har betalt det samme for hver hel side av kunst. Jeg har faktisk sett sekvenser som var så statiske at bare ansiktsuttrykkene endret seg fra panel til panel – så det var alt kunstneren måtte tegne. Tilbake på dagen ble disse statt, kuttet ut og limt inn direkte på kunsttavlene. I disse dager (antar jeg) dette gjøres alt på datamaskin – muligens av en av kunstnerne selv.
Dette er en idé som ble overført fra animasjon, forresten. Mange tegneserier er laget med statisk bakgrunn, filmet separat fra figurene, slik at en av dem kan flyttes for individuelle kamskudd. Og i old-school-stil “begrenset” animasjon, bare karakterens hode, eller en arm, eller ben som går (filmet som en gjentatt syklus) som noen gang er flyttet, og bare disse elementene måtte animeres. (Igjen, dette er old school – mye animasjon i disse dager er CG.)
Større enn noen av oss tror
Jeg hadde håpet å komme inn på litt mer om hvordan de nåværende trendene i historiefortelling påvirker hele tegneserien, fra utgaver av formatering til hvordan nåværende tegneserier markedsføres og selges. Det påvirker til og med hvordan ryggproblemer håndteres og mønstre for bestilling av tegneserier av forhandlere. I tillegg, hvorfor det ikke betyr noe, uansett.
Så introduksjonen min var feil. Jeg har litt mer å si om dette. Men jeg vil også få alle detaljene riktig, og jeg er for øyeblikket distrahert av andre frister så vel som selve livet. Dessuten kan tegneserier bruke litt mindre ut-av-kontroll-rusling. Og dette er kompliserte ting, med en ting som har potensial til å endre flere andre ting, så jeg vil få det til. Så mye mer om dette senere.
Neste uke: 10 ting, og vår første gruppe med anmodninger med de kunngjorte Marvel- og DC -prisendringene. Må være interessant.
KC Carlson droppet nettopp over et dusin tegneserietitler fra den vanlige leselisten hans. Normalt ville han føle seg dårlig med det, men mange av sine gamle venner på trykk har gått videre og blitt forskjellige mennesker, og de er egentlig ikke den typen mennesker han vil henge med noe mer. Han kan ikke hjelpe dem før de innser at de er på et dårlig sted og vil gjøre noe med det. Så det var på tide å gå på. Og han gleder seg veldig til å bruke pengene til å møte noen nye venner! Kanskje han til og med kan komme sammen igjen med et par gamle venner som var på det dårlige stedet en stund, men som nylig har trukket seg ut av det. Så han vil være der for å si velkommen tilbake!
Det er en veldig vanskelig leksjon å lære, men det er et ekte tegn på modenhet å innse at ofte det eneste du kan gjøre er å gå bort, spesielt når du ikke lenger kan gjøre noe for å faktisk hjelpe.
Klassiske tegneserier fra Grand Comics -databasen.
